浅谈贝多芬奏鸣曲式展开部中的音乐发展论文

2022-09-16 11:48:28 分类：综合材料下载本文

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目录
第1篇：浅谈贝多芬奏鸣曲式展开部中的音乐发展论文第2篇：电脑音乐及其发展论文第3篇：如何理解《音乐巨人贝多芬》中的词语第4篇：音乐教师专业发展论文第5篇：小议电影音乐中民族器乐的发展论文第6篇：在变革中发展论文参考第7篇：浅析高校学前教育音乐技能发展论文第8篇：深究西方音乐及发展的论文第9篇：浅谈电影中的音乐论文第10篇：音乐教学中民族音乐文化的继承与发展的论文第11篇：音乐教学中民族音乐文化的继承与发展的论文第12篇：浅谈英语教学中本土文化发展论文第13篇：在阅读中发展想象力论文

篇1：浅谈贝多芬奏鸣曲式展开部中的音乐发展论文

贝多芬是维也纳古典乐派的杰出代表，他是古典主义之大成者和浪漫主义之开先河者。在他的音乐中，充满了哲理性与斗争性。这些音乐上的特点实际上是来源于具有哲理性的曲式所涵盖的形式和内容所决定的。在能够表现斗争性的交响乐和器乐奏鸣曲中，无疑奏鸣曲式承载了表现斗争性的责任。而矛盾冲突的重中之重则集中表现在奏鸣曲式的展开部之中。奏鸣曲式的中间的乐部称为“展开部”它是对基本乐思的发挥和丰富。在某种意义上说，作品中的这个部分使不同的角色显现出性格上的不同侧面。可以把展开部比作严密推理的辩论，以合乎逻辑和令人信服的方法逐渐详尽的发挥最初的命题或主题。

展开部的长度是没有具体的要求，假如呈示部的篇幅很长，展开部也要相应更长。反之亦然，否则就会“头大身子小”。我们在分析大师的奏鸣曲式的展开部中发现，很少是展开部和呈示部不成比例的。但是贝多芬的作品曲不一定。比如贝多芬第五奏鸣曲的第三乐章，呈示部45小节而展开部只有11小节。这是不符合逻辑的，由于整个奏鸣曲的篇幅较为庞大导致展开部的篇幅比较庞大，贝多芬奏鸣曲中的展开部在奏鸣曲式的三个部分中是最不稳定的，离调，转调使用极其频繁；音乐材料十分细碎，也有很多的不确定因素。展开部引自的'材料可以来自于主部主题也可以是副部主题，也可以是全新的材料。通过这点贝多芬给后来的创作者留下了无限可能的发展空间。

对于结构庞大，材料细碎的展开部来说，发展的余地和创作的空间是非常大的，作曲家发展主题的手法是无穷无尽的，如果有限度的话，那应是作曲家的技巧和创作的的限度。通过仔细的分析贝多芬的器乐曲尤其是钢琴奏鸣曲，分析了几条主要的音乐发展手法可供参考。

一、改变调性

主题出现在不同于呈示部主题的调性上。这是必须的，也是必然的。但贝多芬展开部的调性转换基本可以划分为三个阶段，首先是离开主调的调性，其次向下属方向的调性作纵身的发展，最后要准备再现常用主部主题的调性的属和弦作为准备，同时也用属音作为持续音来期待再现部在主部主题在调性上的出现。

调性的频繁频繁转换，是展开部创作的关键。调性如果没有改变，音乐就像没有发展，在贝多芬奏鸣曲式中我们更是深有体会。再他第三奏鸣曲（C大调）的第一乐章中，我们可以看到展开部（92―139）接触的调性很丰富，依次顺序：D大调，g小调，c小调，f小调，c小调。在展开部最后停留再c大调的属和弦上，而这个属和弦扩展成为十个小节的段落。离开主调的调性再到下属方向的调性最后再现之前的属和弦，音乐张弛有力，对比冲突淋漓尽致。是矛盾中的统一也是一致性中的斗争性。

二、节奏、力度音区的变化

贝多芬在展开部中经常会改变重音或者节拍。首先他将旋律的呼吸点进行调整或者将正规的节奏改变为切分。这都是他常用的手法。其次压缩或者扩展标准乐句的长度，分裂常规的段落。在他的第八奏鸣曲“悲怆“第一乐章中的展开部，开始是慢板的引自，从g小调开始，然后通过Ⅶ级的减七和弦的同音异名转换，转到e小调。从（139）小节开始展开部转回快板，并只用主要主题和引子开始的动机发展，但取消了引子开始动机的附点节奏。改变节奏，分裂常规段落。在《F大调第八交响乐》第一交响乐中可以将这种手法观察的更为清晰。有时，贝多芬也通过音区的转变给主题增加情趣，主题的性格通过从高音区变为低音区或从低音区变成高音区而发生着巧妙的不易觉察的改变。

三、改变和声配置

不改变材料，从和声方面使得旋律呈现出全新的特征和风格这也是贝多芬常用来发展音乐尤其是展开部的手法。可以从无和声的到无比丰富的和声段落，再到不同和声配置。我们可以从他的《A大调奏鸣曲》的第一乐章的再现部中找到支持。呈示部中的基本乐思没有和声，但再展开部中逐渐变成了和声配置，大大增加了音乐的影响力，并改变了对于刚开始主题的感受。并且这里还伴随不同力度的变化。从ppp---fff贝多芬是善用力度来表现内容的高手。并且在他的创作中从“断音” 到 “连音”的改变也是随着和声的变化而变化，这些都促成了它展开部的巨大的张力。

四、对位化的处理

贝多芬的具体做法有两个：

1，和声的高声部与低声部之间的局部模仿。以贝多芬第三奏鸣曲奏鸣曲第一乐章为例，再展开部即将结束的时候（130---139）小节，在的持续音上方就一直是对于主题的模仿。

2、复对位手法的运用。将不同的曲调同时结合，从而使音乐在横向上保持各声部本身的独立与相互间的对比和联系，在纵向上又能构成和谐的效果。构成对位的几个声部，若仅有一种结合方式，其相互关系不可更换者为单对位。相互关系可更换者为复对位。上下可换者为纵向可动对位，前后可移者为横向可动对位，两项兼可者为纵横可动对位。这种手法再贝多芬的第十三奏鸣曲（降E大调）的展开部中非常清晰。展开部用主部主题的材料发展而成，主要的动机再各种调性中相互追赶，旋律在下声部，上面是对旋律，后来又进行复对位。将主题不断的分裂，再把这些片段密接和倒影进行编制在一起。这种对位化的处理，不仅用在钢琴奏鸣曲中，也用在他的弦乐四重奏和交响乐中。

五、典型动机的模进进行

这是主题发展手法中最为有用的因素。通过这种方法调性转换变得更加灵活，材料也被运用的更为充分。再悲怆奏鸣曲的展开部中，由引子发展来的动机刻画了阴暗势力、残酷命运的威胁。同时坚定的上行模进旋律与引子中哀求的音调形成鲜明的对比。这个不断反复的模进给人留下了深刻的印象。同时也显示出再展开不中贝多芬常用到的音乐发展方法。

对于结构庞大，材料细碎的展开部来说，发展的余地和创作的空间是非常大的，作曲家发展主题的手法是无穷无尽的，如果有限度的话，那应是作曲家的技巧和创作的的限度。贝多芬在展开部中的音乐发展手法更为丰富以上从常规的手法入手，对于贝多芬的音乐研究还是具有一定价值的。

参考文献：

[1]《曲式学基础教程》谢功程人民音乐出版社 1月第一版

[2]《器乐曲式学》匈魏那莱奥人民音乐出版社8月第一版

篇2：电脑音乐及其发展论文

电脑音乐及其发展论文

近来，科技发展日新月异，对音乐领域产生了很大的影响，电脑音乐就是这种影响的产物之一。电脑音乐即计算机音乐，在国外，1975年已成立了国际计算机音乐协会，发行了《计算机音乐》（《COMPUTER MUSIC》）杂志，并有一年一度的计算机音乐国际交流会。基础理论和应用研究都有很大的发展。在国内，发展较晚但非常迅猛，从20世纪80年代中期相继在上海交大、北大、中国音乐学院、中央音乐学院等高校成立计算机音乐实验室，已发展到全国许多高校、中小学以及音乐生产的各个领域。但有关电脑音乐的理论研究相对薄弱。笔者进行电脑音乐实践多年，在尝试电脑音乐教学实践的基础上，谈一谈对什么是电脑音乐，它的发展怎样等问题的看法。

一、什么是电脑音乐

现代人们对电脑音乐有着种种不同的理解，如：电脑音乐就是从电脑里播放出来的音乐；电脑音乐就是机械音乐；电脑音乐就是电子音乐、MIDI音乐等等。这些理解在不同程度上带有某些片面性，有的甚至是错误的。那么，究竟什么是电脑音乐呢？笔者认为：电脑音乐就是用适当算法的数字电路来处理音频和其他各种音乐事件（如乐谱等）的设备进行制作音乐。它涉及音乐创作、音乐表演、音乐欣赏等理论与实践的方方面面。要想透彻了解什么是电脑音乐，首先必须了解什么是电子音乐、MIDI音乐。因为这三者都是电子科学与音乐相结合所带来的产物，容易混淆。

电子音乐是最先出现的，早期的电子音乐靠模拟电路产生声音，它的主要功能是产生电子音频和对人耳所能听到的所有泛音列进行编辑。由于电子音乐有别于传统音乐出现了新音色、非常规音色、新的制作手段，使生产音乐的生产工具的工作效能得到很大的提高，进而，引起了人们的极大关注，形成了新的音乐风格，在音乐史上，一度涌现了许多著名的电子音乐先驱。

计算机（电脑）靠数字电路来产生声音，它不仅能做电子音乐所能做的全部工作，还能干其他许多事，例如在计算机上可以很直观的看着乐谱欣赏音乐，修改起来也极其方便。如果说电子音乐是使制作音乐的对象解放的话，那么，电脑音乐是使自我得以解放。数字化代替模拟化是历史的必然趋势。事实上，电子音乐发展到如今也已逐步实现了数字化，广义的说，只要是采用数字电路的电子音乐实际上已被电脑音乐所包容和代替。也就是说，计算机音乐是电子音乐的再发展。

MIDI（music instrument digital interfence）音乐乐器数字接口，它是电子乐器的一种数字标准，像这样的标准还有很多种，如ZIPI标准等。它是电子音乐走向电脑音乐的初步尝试。但作为数字标准的一种形式，它本身就属于广义的电脑音乐的一部分。由此看来，现在的电脑音乐已包括了电子音乐、MIDI音乐。它是电子科学、计算机科学与音乐结合的综合体。电脑音乐是个很大的集合体，它涉及音乐、数学、物理等许多门学科。随着科技的发展，它已逐步形成一门独立的学科。到此为止，我们也就不难理解电脑音乐的定义了。现在的电脑音乐系统包括硬件系统和软件系统。硬件包括计算机、输入设备（如键盘、鼠标、MIDI键盘、合成器等）、输出设备（如音源、调音台、多轨录音机、硬盘录音机、功放、音箱、打印机等）。软件包括作曲软件（如cakewalk）、打谱软件（如encore）、声音编辑软件（如cool）、教育软件（如piano education）、欣赏软件（如beethoven）等等。因此，电脑音乐不仅仅指某一个数字化的设备，也不仅仅指用某一数字化设备制作音乐的实践过程和通过他们而生产的产品，而是包括上述的各个方面等更为宽泛的概念。

二、电脑音乐的发展

电脑音乐的本质还是音乐。因此，阐述电脑音乐必须围绕音乐展开。为了便于对电脑音乐未来发展进行探讨，我们先对电脑音乐的过去、现在进行梳理。我们知道，人类追求艺术自由一直是永恒的主题。而这种追求不光是对客体的追求，更多的是对主体而言，即人们在探讨音乐本质过程中的深入过程。具体表现在两个方面：音乐素材的挖掘和音乐的创作实践。下面，我们从这两个方面进行分析：

1、探求音乐素材的高度自由化方面

音乐是音响艺术，离开了音就无所谓乐，对音的探索自古以来一直不断。音即声波，由物体振动引起。对音来讲，物是它的源泉，对音的探索也是通过研究物来解决。为了获得声音必须有物源，即“乐器”，更确切的说最早应该是“音器”。我们的祖先进行漫长的尝试，发现自然存在的音都没有规律，无法沟通。于是，他们利用最原始的素材如兽骨、石头等制成音器来使其趋于有规律，满足人们的需要，这就是最初的乐器，它使音乐获得了初步的发展。随着时间推移，生产力的提高，手工业的发展，社会经济和城市的进一步繁荣，人类的需求不断扩大。乐器种类不断增加，技法也比较复杂，音乐内容也更加丰富起来。当历史的车轮把人类社会带入到机械工业时代的时候，尽管音乐的形式、风格已经产生了不少变化，但采用的乐器基本上都是传统的，这种传统乐器是指机械工业末期电子技术出现以前各个民族当时已经形成的固有乐器。在传统的乐器上想再有发展，再获得新的音色、新的个性不太容易，有的乐器演奏音域已经发展到极限。唯有可利用的仅是一些噪音、敲击声和摩擦声。但对于消费者的听众来说，他们对以往的音响感觉已经习以为常了，甚至发腻了。为了满足现代音乐的各种流派，有些音乐家就走向极端，产生了现代音乐的各种流派，如噪音音乐、机会音乐、偶然音乐等。大家熟悉的《噪音音乐会》、《4分33秒》等就是这个时期的作品。偶有乐器的变革，但还是离不开传统乐器音色的概念。在这种情况下，富有创造精神的音乐家们进而离开传统乐器，创造发明新乐器，把人类音乐是推进到第一个音乐与电子科学相结合的“具体音乐”时代。所谓“具体音乐”，指最早用电子技术来处理自然音响的音乐。把自然界和日常生活中的具体音响作为素材，再用电声技术处理、加工，制成“具体音乐”。它的最大贡献在于把音乐素材的范围从传统乐器的声音和可利用的噪音扩展到自然界和日常生活中的几乎一切音响。随着电子技术的进一步发展，在具体音乐思想的启发下，出现了音乐与电子科学技术相结合的第二个产物“电子音乐”。电子音乐的重大贡献在于它用电子振荡器直接产生基本波形（三角波、方波、正弦波等），通过电子技术（调制、滤波、倍频等）叠加、组合、合成，产生全新的声音，给人以耳目一新的感觉。人类技术发展至此，正如斯托克豪森所言：“电子音乐解放了内部世界……”。确实，到了电子音乐时代已大致解决了音的素材问题。电子琴和电子合成器就是这个时代的标志。但是，传统的电子音乐产生的模拟声音不精确，变化范围又小，不适应技术的发展。而且它又不能干具体音乐的事，这样它就必然被更好的设备所代替。随着数字时代的到来，出现了电子科学与音乐相结合的第三个产物“电脑音乐”。声音可以数字化，这就迎来了数字化音乐时代，出现了数字式的电子琴和电子合成器。它们不仅能储存、重新合成波形，而且还能直接产生波形从而产生声音。此时，电子琴和电子合成器实际上已变成一种计算机。由于计算机它具有储存空间大、可视化高、操作方便、扩展性强等优点，它对文字、声音、图形等各种信息进行编辑，能力很强。因此，斯托克豪森所认为的“电子音乐解放了内部世界……”实际上是靠电脑来真正彻底实现的。但计算机对声音存储的单位信息量还比较小，虽然现在采用压缩技术，可以对声音文件进行压缩，还是不能满足人们的需要。未来的计算机运用虚

拟技术，可以使用物理模型和一定的数学方程式对世界上一切进行仿真，真正直接产生声音，从而彻底解决存储问题。而且未来的计算机是高智能化的，可以替人类干几乎是任何事，到那时，我们的音乐家就可以尽情肆意的去创造了。

2、探索音乐实践活动的高度自由化方面

音乐就是把一系列音按一定的规律组织起来变成音响来表达人们的思想感情和社会生活的艺术。也就是把原材料“音”按一定工序加工成产品“音乐”。一般认为有什么样的原材料再配以相应的工序，才能制成什么样的产品。二者一系列的过程在音乐上叫做音乐实践活动。而音乐实践活动及音乐存在方式是由创造――表演――欣赏几个环节所组成的，而创作和表演（或音乐制作）是音乐的生产环节，欣赏则是音乐的'消费环节。在录音技术发明以前，音乐家总是先创作出作品写出总谱，然后再请演奏（唱）家试奏（唱）才知道效果好坏，如效果不好或达不到音乐家创作的意图，还得拿回去再修改，然后再试。而作为消费环节的听众，只能到现场才能听到音乐作品，这一系列过程动用的人力、物力是巨大的，不利于音乐的发展，最主要原因是受生产力的影响很大。1877年，大发明家爱迪生发明了能记录和重放声音的留声机，从此，改变了音存在的方式，听众不需要到现场就可以欣赏音乐，这样一个欣赏方式好像把一个正在演奏（唱）的乐队软化成一个软件（即类似于计算机软件）储存在唱片上，可以在不同空间和需要的时间进行欣赏。随着音乐消费量的急剧上升，消费环节的增长极大的刺激了音乐的生产，迫使音乐生产速度还要加快。用请乐队来录音制作音乐，速度还是慢了。由于电子技术较好的解决了音乐的素材问题，因此，音乐家迅速利用电子音乐技术来制作音乐。以前录制音乐需请乐队到录音棚现场录音，对乐队的排练和乐队录音技术以及环境噪音的控制是很大的问题，到了电子音乐时代，出现了电子音色和传统乐器音色并存的局面。作品有些声部由电子设备的音乐来代替，甚至出现了完全用电子音色制作成的音乐作品，给音乐生产带来许多新气象。当然，电子音乐虽能给人一种新鲜感觉，但在录音技术上没有很大的突破。而且，传统的电子乐器的设备由存在下列问题：①、生产厂家不同，设备操作不统一，繁琐，不便使用。②、设备系统经费庞大，一般人无能为力。③、大部分设备是模拟设备，设备越多，信噪比越低。④、处理合成音乐需要更多学科知识，一般人无法胜任等等。但是，随着MIDI标准的制定，各种电子乐器之间和电子乐器与计算机之间通话成为可能。用电子音源来制作音乐，已成为时代的时尚。尽管这些设备都是数字式的，但因为计算机具有储存空间的，操作方便，可视化高，可扩展性强等优点而服从、服务于计算机。计算机是数字时代的宠儿。这时，以计算机为中介的电脑音乐制作系统便形成了。也就是目前大家所熟悉的模拟设备与数字设备并存的电脑音乐系统。此时，音乐家创作音乐可直接在计算机上实现。音乐家可以通过计算机的声音编辑软件或专门采样器采样编辑音色来解决音乐的素材问题。通过实施录音即现场演奏来录入各声部，一遍不行，可以通过删除或恢复命令很容易的再次录入，直到录正确为止。对演奏难度比较大的作品或演奏技术比较差的音乐家也可以放慢速度录入，还可以用步录的方法（即好像走路一样先选好一个音符随即便录入一个），这样便录边听，需要微调时可用鼠标进行修改，也可以用拷贝、复制、量化等命令对作品相同的地方进行拷贝和使作品进一步规范化。这样的作品写出来，既可以看、听总谱，也可以看、听分谱。既可以看力度、音量、声像等对音符控制的各种信息，还可以打印正式乐谱。而在对作品合成处理的环节里，可以随时监听各个声部，组合声部，总体效果等。也可以轻而易举的通过划线或数字调整来改变声部平衡、设置声像、效果、音符属性等。录出来的产品可以是模拟式磁带也可以是数字式磁带或光盘，声音高保真度极高。这样计算机极大的方便了音乐家们的创作，甚至不是音乐家也可以通过它尝试作曲。此时的音乐家已不仅仅是音乐家，他还是指挥家、录音师、音响师、计算机专家。随着计算机技术的发展，尤其是多媒体标准（MPC）的制定以及版本的升级，计算机的兼容性越来越好，多媒体计算机进入千家万户，计算机进行综合音乐制作能力更强，音乐作品可以把它储存成一定的格式，通过软盘或网络进行传播，听众直接在计算机上听音乐。它容声音、图形、文字于一体，极富有刺激性，比现场演出还精彩，更明白。未来的计算机还可通过虚拟技术来获得虚拟音源，从而彻底解决音乐的素材问题。虚拟设备也将模仿现实设备的功能，对音乐进行全方位的编辑。未来计算机将实现高度智能化，计算机将代替人们的部分创作活动。一个按钮或一句语言提示将完成部分活动。同时，计算机网络化已成为世界趋势，人们欣赏音乐的方式将发生很大变化。如：完全可以通过网络来欣赏无论什么地方的文艺演出和无论什么时期的音乐作品，可以通过网络调用世界上一流的演奏大师的实况演奏，甚至还可以把任何音乐片断剪辑下来，按自己喜欢的方式重新任意组合。更甚至可把音乐倒放，文艺演出倒演等等。

综合上述，从电脑音乐的过去、现在、未来发展的追求进程中可以看出，电脑音乐就是追求音乐实践的高度自由，在这个过程中，它隐含着硬件软件化的一种发展趋势，也只有音乐实践高度软件化，才能实现真正的自由。而这个软件化的趋势最终的技术保证是靠数字化来实现的。因此未来电脑音乐的发展是使音乐的全面数字化。正巧，数字化的技术基础是“0”、“1”，即电流的通断两种状态。而音乐最本质的东西也就是有声和无声两种状态。这种思维和逻辑上的共性也为他们走到一起去提供了条件。这样，电脑与音乐相结合，为音乐实践获得高度自由擦上了翅膀。，这也正是人类所追求的目标。正如贝多芬所言：“追求自由和进步是人类艺术的目标。”由此可说电脑音乐也必将成为二十一世纪世界音乐潮流中的重要方面，这绝对不是一句空话。

注：

1、本课题获得校青年科研基金资助，代号QW9716。

2、感谢徐州师范大学音乐系教授费承铿，中文系研究生张强，电脑音乐行家张宜苏为本课题提出的意见和建议。

篇3：如何理解《音乐巨人贝多芬》中的词语

【重荷】

过重的负荷。

【深邃】

深的，距离大;深奥。

【踌躇】

①犹豫。②停留。③得意的'样子。文中的义项是①。

【含蓄】

包含。

【磐石】

厚而大的石头。

【惹人注目】

引起别人的注意。

【杂乱无章】

又多又乱，没有条理。

【巴望】

指望。

【愁苦】

因发愁而觉得苦楚。

【不见天日】

看不见蓝天、太阳，喻指没有光明公理的状态。

【坚忍】

(在艰难的境况中)意志坚定而能忍耐。

【蓬勃】

旺盛，茂盛。

【小心翼翼】

形容举动十分谨慎，丝毫不敢疏忽。翼翼：严肃谨慎的样子。

篇4：音乐教师专业发展论文

音乐教师专业发展论文

近年来，教师作为一种专业化的职业已经被人们所重视，“自我更新”成为教师实现专业发展的源泉。教师除了具备传统所界定的专业特性(诸如本学科的知识结构、必要的教学技能等)之外，还必须拥有一种扩展的专业特性——通过较系统的自我研究，通过反思实践对教育理论进行检验，实现专业上的自我发展。由此，行动研究诞生了。

行动研究起源于30年代的美国，其概念最早是由美国心理学家勒温(Kurt Lewin)提出的。他的理论核心是提倡实践者以研究者的身份参与实地研究，在与社会科学研究者的合作中解决社会问题。将行动研究应用于教育并作出明确定义的是凯米斯(Kemmis，)，他认为行动研究是由社会情境(包括教育情境)的参与者为提高对所从事的社会或教育实践的理性认识，为加深对实践活动及其依赖的背景的理解所进行的反思研究。在教育行动研究中，教师是研究者，并且以自身作为研究焦点，兼任着“职业者”与“研究者”的双重角色。当前，我国音乐学科的教育研究基础较为薄弱，提倡音乐教师开展行动研究对音乐学科发展与音乐教师成长都是极其有益的。

一、音乐教师行动研究的价值

1．行动研究将改善长期以来音乐教育理论与教学实践相脱节的状况，有助于音乐教育学的理论发展

在传统的研究范式中，研究者与实践者往往是分离的，这种分离使得教育研究与教育实践各自拥有独立的话语。两者的界限造成许多研究理论由于“隔靴搔痒”无法解决实践者的具体问题；而实践者又常常苦于没有理论的支持显得“盲人摸象”。以我国普通学校音乐学科研究为例，作为一门新兴学科，在经历了从音乐教学法到音乐教学论的飞跃后，如今已从音乐学与教育学基础理论中脱离出来，成为依托于音乐教育实践基础之上，研究音乐教育现象及其规律的学科。音乐教育学的研究任务是对人与音乐之间的关系问题和音乐教授与音乐学习之间的关系问题以及它们相互的内在联系与发展变化过程进行揭示、说明和预测。音乐教育理论研究的目的就在于指导实践，然而理论研究却常常是落后于实践的。这是因为，通常从事音乐教育研究的人员都是专家、学者或专职研究人员，尽管他们普遍理论素养较高，同时又具备研究设备、技术、时间及财力等的充分保障，但毕竟由于对包括课堂教学在内的普通学校教育活动缺乏深入的探究，以至于常常用超乎音乐教育现象的理想化认识来指导实践，这种书斋式研究形成的理论相对于更为复杂的音乐教育实践，无论是解释功能、批判功能还是预测功能都显得缺乏应有的针对性，使广大的音乐教师大多是借助自身的经验而不是理论来观照自己的教学行为。

音乐教育理论必须敢于直面实践，这是音乐教育研究能够得以顺利健康发展的首要前提，因此，研究方式的扩展与改变是必要的，由音乐教师直接参与的行动研究将会为音乐教育理论注入新的话语，对音乐教育理论的完善有着不可忽视的作用。

2．行动研究是促成音乐教师专业发展和自我更新的根本途径

20世纪80年代以来，受哲学解释学、后结构主义等后现代主义哲学思想的影响，传统的“经验型教师”已逐渐受到“反思型教师”的挑战。两者最大的区别就在于，反思型教师能够以开放的姿态看待事物，能够不断地对教学进行思考，对专业结构进行更新。他们关注教学的过程，既是教学的实践者，又是教育理论的思考者与建构者。音乐艺术本身具有“个性化”与“形态化”的感性特点，因此音乐学习与教授也离不开个体的独特感受性，这种独特的内涵是音乐学科的灵魂。音乐学科研究所涵盖的面甚广，无论是音乐艺术规律还是学生的音乐能力发展都存在着不确定性、差异性等特点。音乐教师在音乐教学实践中能够针对自身教学环境中的学生全体或个案，发现问题解决问题，不断地检验、调整、积累音乐教学经验，在反思与总结中使自身的教学更趋向于合理，这对音乐教师的成长是极其有利的。

行动研究并不仅仅是经验总结，虽然在行动研究中教师获得的理论不同于专家的学术理论，但它是反映教师个人实践愿望的一种实践知识，在研究的过程中音乐教师必然会有目的'有选择地学习专家的学术理论，重要的是这些理论经过了实践的检验，以重构的方式进入教师个人的经验之中，最终形成的是一种服务于实践的理论，可见它的应用价值是不可替代的。倡导和鼓励行动研究能够使音乐教师自信地迈进教育科研的殿堂，提高他们的音乐教学质量和研究水平，对促成音乐教师向“专业化”发展成为终身的学习者有着积极的作用。

二、音乐教师行动研究的范式

教育行动研究并不存在着统一的范式，美国学者温特认为行动研究的关键过程可以用三个词来表达：“观察”、“反思”和“运用”。对音乐教师而言，它的基本框架在于：

1．提出问题

这是行动研究的起点，音乐教师关注音乐教育教学中的特定问题，并从课程、学生、教师本身等方面收集有关的资料。收集资料的方法包括自述与回忆、轶事记录、各种检查表、问卷、访谈等，也可以借助于录音、录象资料等等。

2．分析问题

音乐教师通过分析所收集到的资料，通过审视自己的思想和行为，对问题予以界定，诊断其原因，确定问题的范围，挖掘问题背后所涉及的诸多因素，以期对问题的本质有较为清晰的认识。

3．确立假设

明确问题以后，音乐教师开始在已有的知识结构中，通过请教理论工作者或阅读专业书籍、文献资料等途径搜寻与当前问题相似或相关的信息，以建立解决问题的方案。这种寻找信息的活动是自我定向式的，其结果有助于音乐教师形成新的、创造性的解决办法。

4．验证假设

考虑了每种行动方案的可能效果后，音乐教师就着手试行某一个解决方案，并在试行之后仍要不断地搜集各种资料或证据，以检验假设，改进现状。在检验过程中，音乐教师会遇到新的问题、新的经验，当这种行动过程再次被观察和分析时，就开始了新一轮的行动研究的循环。

三、音乐教师行动研究需注意的问题

1．外控与自主

从政策和制度的层面上说，现行的课程设置与教学内容大多是“外控式”的。即由教育行政部门和学术机构策划或制定，强调的是自上而下的管理模式，以及规范性和权威性。另外长期以来音乐学科在学校中地位不尽人意，使许多音乐教师缺乏学科行动研究的热情，仅把教学工作定位于按教育理念操作的熟练工，自主性、反思探索的动机与投入感较差。

2．结果与过程

从科研导向上来看，音乐教学研究往往只重结果、不重过程。许多教师把教育行动研究等同于“写论文”，认为研究主要是靠“文笔”的功夫。事实上，所有的理论都不是“写”出来的，它必须经过研究的每一个过程，通过行动的观察、思考、总结、提炼，是“研究”出来的。这一艰苦的探索过程在教育研究中经常被省略或敷衍，以至于不少音乐教育论文观点雷同，缺少个性亮点。另外由于受功利思想的影响，不少音乐教师急于求成，把局部经验任意拔高，盲目构建理论框架。这些都使音乐教学研究无法真正深入，使音乐教育研究的发展受到一定的阻碍。

3．个体与合作

音乐学科在普通学校属于小学科，在校音乐教师一般仅为1、2名，势单力薄，少有机会能够分享群体的智慧。教育研究需要个人的反思和探索，也需要同行间甚至非同行间的相互启发。因此，采用横向与纵向的联合研究就显得尤为重要。横向上，可以在有共同研究方向和志趣的学校和教师之间形成合作关系，随时定期进行交流，共同提高研究能力。纵向上，可以邀请高校和研究机构的研究人员联合研究更身层次的课题或进行理论的总结与提炼。

4．音乐与教育

音乐教师在理论探索的过程中经常会遇到的问题是，音乐学科研究所依托的本体是什么?音乐教育学源于音乐学和教育学，但作为一种新的理论形态，其间原来音乐学与教育学的一般理论都不复存在，已有了新的理论价值和实践意义。这里涉及的是学科教育学同教育学的关系问题。学科教育学与教育学在研究中存在着一致性，但差异性也十分明显。当前的学科教育学普遍存在的问题是，缺乏表述本学科特点的理论体系，通常从教育学中移植学科教育学的内容迹象明显，研究方法重视演绎推理而忽视归纳概括，以至从教育学理论体系中衍化而生的音乐教育学的内容贫乏，特殊性不强。音乐教育学既不是用教育学原理简单地去解释和说明音乐艺术现象，也不是摆脱教育学的一般原理独树新的理论体系，处理好音乐与教育的轻重关系和出发点的依托关系是相当重要的。

音乐教师成为自己行动的研究者是教育发展的必然方向，也是时代赋予音乐教师的使命。事实上，已经有不少音乐教师成为了研究性的实践者，其中不乏学者型的教师，我们衷心希望有更多的音乐教师参与到研究活动中去，为音乐教育事业的发展添砖加瓦。

篇5：小议电影音乐中民族器乐的发展论文

小议电影音乐中民族器乐的发展论文

从电影的诞生到从无声电影到有声电影的变革，再从电子计算机的诞生，电子音乐技术的成熟，电影音乐也发生了巨大的变化。从简单的特殊音效到20世纪管弦音乐体系的建立。现如今电影已经融入了人们的生活中，但是，由于观众的文化背景不同所以人们对于电影音乐的选择也显得众口难调。所以不同地区的电影音乐也有着他们不同的音乐特点。正如同好莱坞的电影音乐不仅有电子音乐技术与管弦乐的令人震撼的完美的听觉效果，也同样运用了美国本土的爵士乐；而与好莱坞同样成功的印度“宝莱坞”同样运用了印度本土的歌舞音乐来丰富电影情节，宣传印度文化。这不禁使我们想到在中国的电影中我们应当用什么样的电影音乐来代表中国的特色，怎样在电影音乐运用中国元素是一个值得思考的问题。这也是中国的民族器乐进入电影领域的重要原因。

中国的`民族器乐沿袭了中华民族几千年的文化传统，可以说在文化发展相对多元化的今天，中国的民族器乐是一种保存和继承的较为完整的艺术形式，在中国的电影音乐中，民族器乐往往担任着重要的作用。民族器乐以其十分有特色的音色，在电影音乐中发挥了它不同寻常的表现力和渲染力。就二胡而言，与西洋乐中的弦乐器不同的是，取代了小提琴华丽的音色，二胡给人带来的印象是如泣如诉，更多的是温暖而古朴的音色中伴随着点点悲伤，正像是夏末秋初那一点点阳光，余温中透出点点寒意。这种柔美和哀婉对于表现女性的表现有着不可替代的作用。除了二胡之外，像琵琶、三弦等乐器都在特定的乐种中担任特定不可替代的角色。想苏州弹词中的琵琶、京韵大鼓中的三弦，都代表这一种指定的地域的地方特色。所以说中国的民族器乐在电影音乐中不仅仅是特殊的表现力和对于情节的推动作用，还是中国广袤的土地上发展起来的丰富多元的文化特色的体现。

民族器乐在电影音乐中的应用

我们的民族器乐以其迷人的音色打动了很多人，但因为文化或者条件的原因，在国际上的应用并不广泛。所以，我们想要民族器乐在电影音乐中更好的发展，我们可以考虑民族器乐与电子音乐的结合。在好莱坞电影中我们不难发现，越来越多的中国元素进入好莱坞的电影之中。例如，《花木兰》选取的是中国的传说故事，《功夫熊猫》中用了中国熊猫的形象和中国功夫等元素。《功夫熊猫》的电影音乐中更是成功地运用了民族器乐，将民族器乐中的竹笛、二胡等融入了好莱坞式大片的音乐制作中。这为民族器乐在电影音乐中的应用做出了成功的范例。在我们国内也有许多电影音乐运用了民族器乐，运用的最多的要数展现英雄形象的中国特色武侠片。像李安的《卧虎藏龙》、张艺谋的《英雄》、《满城尽带黄金甲》和我们所熟知的李连杰的成名作《少林寺》中都能发现，民族器乐可以说更充分和完美了诠释人物形象，推动情节发展。在张艺谋导演近期的《金陵十三钗》中琵琶不仅成为电影的背景音乐而且以一种视觉的形象出现在了观众的眼前。

民族器乐在电影音乐中应当如何发展

在电影的表现人物形象和奠定情感基调的民族器乐虽然有着很重要的作用。但是在更多的影视作品中，出于多种原因的考虑，我们不得不运用现如今发展起来的电子音乐技术来代替真人的演奏，我们在电影中听到的恢弘的交响乐队往往不是由真人录制的。我们可以想像一下，如果一个百人的交响乐队进入狭小录音棚，那是多么不方便的事情。有了电子音乐技术，我们可以只用一个制作人就能制作出一个百人乐队的音效并且可以做得非常真实，而且可以达到自然音色达不到的效果。这不仅为音乐制作提供了便利，还为电影制作节省了开支。这也是电子音乐在电影音乐中广泛应用的重要原因。所以说在电子音乐的发展成为一种大趋势的情况之下，可以使民族器乐与电子音乐的制作相结合，从而取得更好的发展。我们可以将更多出色民族器乐音色制作成为软音源，将民族器乐作为电子音乐制作中的一种特殊音色来运用，这不失为一个推广中国文化和民族器乐世界化发展的好方法。作为一个民族器乐的学习者和电影的爱好者，笔者希望民族器乐能够在电影音乐中得到更好地应用和发展。

篇6：在变革中发展论文参考

在变革中发展论文参考

内容摘要：纵观色彩从原始、传统到现代的发展过程，可以看出色彩的概念是在不断变化和发展的，而我国目前作为设计基础的色彩教学，还是停留在传统的观念和陈旧的模式上，这已不能适应现代设计创新思维的需要，亟须尽早改革和突破。

关键词：设计色彩发展创新改革

色彩的概念与绘画的历史是同步的，就像语言与文字一样，是互为依存的关系。但从历史的角度看，色彩所体现的意义又是一个不断变化的动态过程，也就是说色彩作为视觉语言的语义学内涵不断变得丰满和复杂，而近年来设计学科的兴起，更是极大地拓展了色彩的内涵和处延。

当人类在旧石器时代后期的西班牙阿尔塔米拉洞穴和法国拉斯科洞穴里，将用黏土和碳火灰提炼而成的红色与黑色，第一次涂到岩壁上那些野牛的轮廓里时，并没有把色彩作为一种造型的手段，而只是一种象征性的标志而已。到了十三四世纪，随着人们经验的积累，透视法、解剖学等学科的兴起，绘画开始向三维空间发展。乔托第一次用阴影来表现空间，他混合使用不同的颜色，使绘画成为了能在平面上创造出深度幻觉的艺术。而乔尔乔内、提香等，又把色彩提升到了一个新的高度，赋予绘画以深意，将其由相对简单的装饰手段变为一种具有建设性的造型艺术。15世纪文艺复兴时期西方传统绘画中，色彩成了一种塑造形体的方法。它主要偏重于对自然形态的模拟和描写，通过对光影、明暗、转折等各方面的刻画，来表现物体在空间中的存在状态。在这里，色彩是为造型服务的，它从属于以再现为目的的视觉语言系统。

历经几个世纪后，色彩的造型功能已成为绝对主流，并日趋成熟。虽然印象派是对色彩概念的一次革命性发展，但他们探索色彩的.目的却还是为了创造一种对视觉印象更为完善的摹写。实际上，也只有到了印象派，才使绘画对自然界的物体和光影的描摹达到了顶峰状态。从塞尚开始，色彩的从属地位有了改变。为了力求能在画面上营造出一种新的、有意味的秩序感，他不惜打破形体，压缩空间，从而达到一种全新的视觉感受，开创了现代绘画的先河。现代绘画是对传统的挑战和颠覆，在逐渐摆脱了“形似”的束缚后，开始对艺术有了全新的概念。各种各样的流派、主义和运动都是艺术家为创新而进行的实验。色彩在绘画之中，也开始有了新的定位和功能。就像在勃纳尔、马蒂斯、劳特累克等人的绘画中，图案、颜色、光线本身就已经是绘画的主题和表现内容，而不只是绘画的手段，主观色彩的概念开始形成。

虽然不能说是现代绘画带动了现代设计，但现代设计与现代绘画的几乎同时兴起，却绝不是偶然的巧合。在西方艺术由传统的“再现性艺术”转向“表现性艺术”发展的过程中，从现代派艺术本身而言，现代艺术家们在形式构图和色彩语言上的探索，对于现代建筑和现代设计具有非常重要的启迪作用。英国的工艺美术运动、德国的包豪斯运动，都对现代设计有极大的影响和促进。19，作为包豪斯第一批教员中的约翰·伊顿，他是最早把色彩体系引入现代设计教育的教育家之一，他认为色彩是理性的，学生必须了解色彩的科学体系，然后才谈得上自由表现。他的《色彩学》为色彩在设计领域的运用奠定了理论基础。包豪斯则是从视知觉的角度来研究色彩和形体的表现力，然后把这些抽象的因素与设计学科结合起来。比如，研究色彩的冷暖与设计形式语言的关系，色彩与人的心理的关系等，都已经是现代设计的课题了。进入20世纪后，再现性语言已失去了统治地位，人们从再现性的物理学真实转向表现性的心理学真实，对色彩的认识和运用，变得越来越直接和主观，强调色彩的结构，也就是通过对色彩自然属性的调和与运用，把色彩的元素与符号作为视觉语言的切入点，以主观判断和理性分析为基础，来达到一个丰富多彩的效果，改变了传统的色彩语言，从而进一步发掘了色彩的表现力和自由度。

现代设计在近年来不断得到新的提高，色彩在设计中的作用越来越重要，它不仅能通过具体的色相、明度、纯度等因素来传达产品的品格与性质，而且还可以利用色彩的心理、情感特性，创造丰富的联想，为产品的认识功能、使用功能、审美功能提供最直接的支持。传统的绘画色彩主要是以服从造型目的为主，表达自然的真实性，凭借个人的感性来找到理想的画面，是“画面之内”的思维方式，创新发挥的空间比较小。而现代设计色彩则偏重于对色彩结构和构成要素的实践和研究，通过对自然形的解构和重建，探索色彩的内在规律，拓展表现力，落实于视觉感观接收的合理性，其理论基础建立在视觉感知的心理研究上。作为一名设计师，只有全面地研究与认识色彩，包括色彩的物理属性和心理属性，熟练掌握设计色彩的表达与应用技巧，才能使色彩在设计活动中真正发挥其“符号”作用。

设计学科在我国起步较晚，20世纪90年代初，还叫“工艺美术”，到90年代后期，有了一个飞速的发展。各地院校也纷纷开设设计类专业，但是，很多院校的课程设置相对简单。形成这种局面的一个原因是，在一定程度上，大部分设计院校的基础课教师缺乏改革的动因。从深层来说，人们对基础教学在整个设计教育中的地位和作用不够重视，没有把发展和创新的理念融合到设计学科的基础教学中去。我们对现代色彩概念的发展过程，在一定程度上，还缺少深入地研究和探讨。近几年来，人们也都意识到了这些问题，也都在设计色彩方面进行着探索。相比之下，素描的改革成效比较明显，而在色彩教学上，还没有统一的思路，仅从名称上看，就有设计色彩、造型设计基础、概念色彩、色彩归纳、装潢色彩、装饰色彩等，内容都与写生色彩大同小异，没有实质性的突破。

名称当然是次要的，我们不可能也没必要去寻找一个统一的标准，但有一点是可以肯定的，即首先应该达成这样一种共识：作为现代艺术设计的基础课来说，我们一定要以一种发展的观点来看待色彩，从一开始就注重培养学生的创新思维和创造能力，逐步建立起一套创新的理念和完整而成熟的教学体系，而不仅仅是对客观对象的图解或再现能力，更不是表面上的花样翻新。只有这样，色彩的教学和研究才能展现出应有的丰富多彩性。

参考文献：

[1]H·贡布里奇.世界美术之旅.辽宁美术出版社，1987.

[2]徐晓庚.现代设计艺术学.长江文艺出版社，．

[3]董占军.外国设计艺术文献选编.山东教育出版社，．

篇7：浅析高校学前教育音乐技能发展论文

浅析高校学前教育音乐技能发展论文

摘要：

学前教育日益成为国家整体教育关注的热点，学前教育为整体教育的奠基石。在学前教育专业学习中，对于幼儿教师的音乐技能要求“唱、弹、跳”日趋重视，这就迫使笔者对高校音乐课程的教育现状提出反思与改革。学前声乐教学应当紧密结合幼儿特点，有新方法，采取多样化的教学模式。我们应纠其教育根本，提高学前声乐教学质量，使高校学前音乐课堂更加丰富，学前毕业生能更好的承担起幼儿园音乐课程。

关键词：

学前教育；音乐技能；幼儿园

一、学前教育专业音乐技能要求

学前教育专业与音乐专业学生对音乐技能的要求是有所不同的，学前教育专业学生所学音乐技能需服务于幼儿园音乐教育活动，提高自身的音乐修养与业务水平。而音乐专业学生对音乐的学习则更加传统化、成人化、专业化，综观笔者的音乐教学实践和对幼儿园教师、园长的访谈，总结，学前教育专业学生需掌握以下音乐技能，方能更好适应幼儿园音乐教学工作。

（一）掌握基本发声原理

掌握基本发声原理有助于学前专业学生更好的把握歌曲的演唱技巧，以便在今后的音乐教学演唱活动中科学合理的保护幼儿的嗓音，且将发声基本原理自然运用到平时的说话中，避免在嘈杂的幼儿园环境中过度用嗓而损坏声带。

（二）具备较强的儿童歌曲演唱能力

在幼儿园音乐教育活动中，歌唱课是其重要组成部分。幼儿教师作为幼儿园教学的主力军，具备较强的儿童歌曲演唱能力是必然的。这就要求学前教育专业学生在掌握基本发声原理的基础上，把握儿童歌曲的风格特征及演唱技巧，把握幼儿心理，准确的通过演唱儿歌传达歌曲意境。

（三）具备儿童歌曲弹唱能力

在幼儿园音乐教学活动中，儿童歌曲弹唱能力是幼儿教师的基本技能，也是最重要的能力要求，掌握这一技能更有助于歌唱教学活动循序渐进的开展，使歌唱教学活动更加灵活化。在幼儿园歌唱教学活动中，教师可根据幼儿对歌曲的掌握程度，利用钢琴的弹奏调整教学进度的快慢，利用钢琴弹奏对重、难点进行反复练习，从而顺利的达到教学目标。

（四）具备幼儿园音乐活动组织能力

在幼儿园日常教育生活中，音乐教育活动的开展是非常重要的。而幼儿教师是音乐活动的实施者与参与者，这就要求幼儿教师具备较强组织的能力。在有些幼儿园具有自己的每周活动，或音乐节，或在六一儿童节等这样的活动中，需要教师积极调动幼儿的兴趣，创造性的编排组织活动，这就要求幼儿教师具备以下几点知识：歌唱形式的编排、声乐与舞蹈、器乐的融合、基本合唱、器乐指挥的运用。

（五）具备较强的视唱识谱能力与乐理知识

对于这一技能要求是非常重要的，目前大多学前教育专业学生在刚入学时音乐处于零基础状态，甚至大多数学生处于不识谱和音准严重缺失状态，这就需要学生加强对识谱视唱的练习，识谱视唱直接关乎幼儿园音乐课程的开展，尤其是在歌唱活动中的运用。针对这一现象，需要教师对学生音准进行循序渐进训练，从音阶搭桥练习开始，培养学生的音准概念，大量进行读谱练习，加强学生的识谱能力。乐理知识是音乐学习的理论基础，一个好的视唱读谱能力和坚实的乐理知识可为音乐技能打下坚实的基础。

二、学前教育专业音乐技能发展现状与原因

（一）音乐理论知识匮乏

学前教育专业学生音乐理论知识匮乏可从两个方面去分析：

一方面，学前专业课程设置不够健全；

一方面，学生自身不够重视。

本科院校学前专业所开设的音乐理论相关课程除了《乐理与视唱练耳》以外，其他音乐理论课程几乎没有。这就导致学生在进行音乐学习时，更多的是对教师所传授技能的训练，而缺乏音乐理论支撑的音乐技能学习，也只能是模仿式的学习。学生无从了解幼儿音乐的真正内涵，表演显得愈发空洞肤浅。

例如：儿歌《一分钱》，这是一首代代相传、家喻户晓的`儿童歌曲。此曲歌词的朴实无华，形象鲜明，极富儿童气息。歌曲为五声调式、一段体。旋律一开始就用四度大跳音程和全曲最高音来烘托小主人翁“我”做了好事后的喜悦心情。歌曲共计四句，第一句节奏前松后紧；第二句节奏前紧后松，是第一乐句的变化重复；第三乐句采用移位方式，节奏上也较之前两句发生了变化；第四句结尾采用了只说不唱的念白手法，使歌曲更加富有情趣，耐人寻味。学生在演唱此类歌曲时，仅是凭着童年时的歌唱记忆及对歌词表面意思的理解去演唱歌曲，却不知歌曲的由来及乐段的处理。这与课程的开设有一定的关系，可开设《儿童歌曲创作》《儿童歌曲赏析》等理论课程，从而拓宽学前专业学生的音乐理论知识。其次，就音乐理论知识匮乏这一现象，也与学生自身是密不可分的。

就笔者担任《乐理与视唱练耳》课程教学，在课堂上，学生对音程、和弦、调式调性等音乐理论知识的讲解显得烦躁与不屑。学生甚至认为这些理论知识与自身毫无关系。在讲解和弦与调式调性时，笔者要求学生课后结合所学内容在钢琴上将各个调的正三和弦弹出来，以便为钢琴即兴伴奏学习打下坚实基础。但就“还课”情况来看，很少有学生课后在认真完成，甚至有的学生根本不会去练习。长此以往，教师所传授的音乐理论知识与学生的学习发展将不能成正比，学生的音乐理论知识也就无从提高。

（二）音乐技能缺乏专业性

学前教育专业学生音乐技能缺乏专业性可从两个方面去分析：一方面，学生自身重视程度不高。另一方面，学生自身条件的限制。通常在音乐技能课即将结束时，教师都会实时给出课后技能练习任务。但是据下节课的“还课”情况来看，学生并没有充分利用课后时间加紧技能练习，以致不能很好的掌握上节课所学内容，从而扰乱教师的教学进度安排。其次，在音乐技能学习，例如声乐学习中，有的学生在努力的练习发声，但却很难达到教师的要求。这种由于嗓音条件先天的差异性导致学习效果的降低，这类学生在得不到教师及时的关注时，容易产生厌学或怕学的状态，进而影响音乐技能的发展。

三、学前教育专业音乐技能发展策略

（一）课程设置规范化、宽泛化

高校学前教育专业音乐课程设置应当规范化，宽泛化。学前教育专业是面对幼儿园教育，是幼儿启蒙教育，作为幼儿教师，应当掌握多方面的音乐知识，而不只是唱歌、跳舞。一个没有文化理论支撑的艺术表现是空洞的，是肤浅的。相关音乐课程包括《儿童歌曲创作》《中、西方音乐史》《音乐欣赏》《合唱》等课程的开设更有益于学前教育专业的音乐学习。

（二）高校教师幼儿音乐素养的提高

目前高校音乐技能教师大多是音乐专业出生，而面对学前教育专业音乐的学习缺乏针对性。在教学过程中，一些教师传授的音乐技能知识更偏向于音乐专业人才的培养，进而脱离了学前教育专业的特点。教师应当利用课余时间多走进幼儿园，了解幼儿园音乐活动开展现状，通过与幼儿优秀教师、园长的沟通学习，第一时间把握幼儿园音乐发展动态。将实践与教学相结合，将音乐专业与幼儿音乐教育紧密结合，深入研究幼儿音乐教育，提高个人音乐素养。

（三）学生共性与个性的关注

众所周知，音乐专业的学习与天赋有着密切的关系，这也是音乐学院某些课程设置为小课的因素之一。目前高校学前教育专业音乐技能课以大课为主，在技能训练中，有些学生由于先天条件的限制，表现为嗓音条件弱，声带不易闭合，音色不够明亮；舞蹈方面，身体协调能力差、节奏不敏感等。这些都会导致学生产生厌学的心理。这时，需要教师在教学中密切关注学生的共性与个性，共性的把握有利于时间的集中利用，个性的关注有利于学生的个性发展。教师在教学中。应当及时给予学生鼓励与肯定，使学生建立自信的学习状态。

四、结语

学前教育专业是面对幼儿园音乐教育，而幼儿园教育活动中，音乐教育占据着重要的部分。关注此课题的研究对幼儿园音乐教育的发展有着深远的意义。学前教育学习者都应通过各方面的学习与研究提高自身音乐修养，为今后幼儿音乐教育活动打下坚实的基础。

篇8：深究西方音乐及发展的论文

深究西方音乐及发展的论文

20世纪西方音乐新作曲技法的发展变化

（一）调式音阶的颠覆创新

再强的真理也需要实践的证明，作曲家经历无数实践之后，终于将目光转向了民间音乐、民间调式，以此作为实践并创作的新素材。如吉卜赛大音阶、东方音阶等。对中古式加上现代化的作曲技法并加以创新的音乐形式，也成为某些作曲家的新宠，以至这种形式在音乐领域的地位不断攀升。这样的创新形式让大小调体系在音乐中的地位发生了改变，不再是主宰。作曲家巧妙融合两个调式，使其成为一体，这种创新理念是颠覆性的。

（二）节拍节奏的个性创新

节奏在传统意义上的终结，预示着它更加自由化、复杂化和不规则化。这样就意味着个性化的塑造和独特风格的激发达到了最大化。如斯特拉文斯基的《春之祭》、巴托克的《野蛮的快板》，这些新型音乐作品呈现出了不规则的最强音，其中包括复合节奏和交替节拍的手法运用。这些都体现出了作曲家超越自我，彰显个性的不羁思想，这也是让他们在20世纪音乐领域中独占鳌头的主要因素。

（三）新的现代和弦音的产生

现代和弦与传统和弦的结构原则有共同之处。高叠和弦就是在和弦音中注入新形式的和弦音，让其具有了现代气息。同时，作曲家也可时常自我创造和弦来融合到自己的作品中，加以渲染。如作品《普罗米修斯》的作者斯克里亚宾所用的`神秘和弦，《彼得鲁什卡》是斯特拉文斯基的作品，两大和弦融合成一个令人耳目一新的现代意义感强的新型和弦。

（四）模糊调性的展现

有一部分作品，它的调性模糊或在某一部作品中呈现出不止一个调性，中心音的缺失，甚至听起来没有连续的音。如勋伯格的十二音体系、梅西安的序列音乐等。

20世纪西方音乐发展变化的总体特征

20世纪音乐的技法和形式五彩斑斓。它的总体特征有以下几点。

1.旋律。传统的音乐是流畅、起伏自然、有规律的。20世纪的音乐线条却是有很多大跳进，乐句的划分没有规律，而且前后乐句也不互相呼应，甚至会使用其他的音响来代替旋律的部分。

2.和声。打破以三废为基础的和弦结构，频繁地使用二、四、五度使之出现不和谐音响，甚至没有了和声的概念，不和谐和声也不需要解决。和旋功能被减弱到了最低限度。

3.调性。以勋伯格的无调性和十二音音乐发展成序列音乐为例，这个时候的音乐调性不再明确，有的时候虽然有中心音，却把十二音作为同等重要的音来对待，甚至可以一起出现。无大小调，转调也不需要过渡了，音与音之间也不再是连贯。

4.节奏。20世纪音乐的节奏变化多端、非常自由，由各种节奏组合在一起，并且频繁地变换节拍。小节线在这个时期被解放出来，乐曲中甚至不会出现小节线。换句话说，20世纪的音乐是在自由中寻找不寻常的节奏。

5.曲式。传统的曲式原则仍然很重要，有时也会采用传统的三段式。但段落划分模糊不清。有一些乐谱看起来很规则，但听起来确实模糊不容易被辨认也不规则。也很少有2，4，8的方正结构形式出现。

6.配器。传统的音乐是把各种乐器优化地组合在一起。现代音乐会强调个别乐器，并且会使用极端音域，甚至使用噪音，以突出管乐打击乐成为主要乐器。20世纪音乐发生了巨大的变化，是一个开拓和探索的世纪，20世纪音乐的发展已经向多元化的方向迈进，对新音乐语言的探索是一个漫长的道路，至今仍在进行当中。

20世纪西方音乐发展的总体概述

20世纪以来，西方音乐发展在原来多元化的基础上更加顺风顺水。作曲家们在这个时期结合传统音乐，利用过去累积的经验与表现手法进行再次创新。其实在整个20世纪西方音乐发展的过程中，并没有像想象的那样受欢迎，反而这时人们怀念的却是20世纪之前的音乐。这从一定程度上体现出一个很重要的问题，作曲家们不再深入研究人们真正的音乐需求，甚至故意忽略听众的意见与心声。此时的作曲者们考虑更多的是自己的感受和审美，创作自己认为美的音乐。但也因为如此，在那个时代涌现出了个性迥异、勇于创新的一批批新式音乐，所以虽然如此，20世纪西方音乐的百花齐放是不容置疑的。20世纪初期，因为浪漫主义的盛行发展将感情的宣泄充分进行发挥，并且达到了极致，经历数百年发展的具有浪漫主义特色的音乐已经面临着结束的现状，西方音乐正在进入一个全新的历史发展时期。在这一时期，音乐迅速突破了过去以传统音乐为代表的规则体系，对于原有的固定作曲方式逐渐进行了否定，具备了创新的审美角度、作曲的理念以及表演风格的音乐诞生了。这一特有音乐风格的出现并非是一个偶然现象，它的出现紧密联系着西方20世纪的历史背景。

总而言之，20世纪西方音乐的发展无疑是令人惊艳咋舌、不可思议的。可以说它是人类历史上最石破天惊的一个时代里程碑。从两次世界大战到经济危机，从独裁统治到科学技术的飞速腾跃，种种因素成就了西方音乐，也多少会给它造成一些影响，也就因为这样，让人们感觉到这个时代的伟大和不可思议，同时也留给人们许多问号。20世纪西方音乐的成就与影响力，它的大破大立、推陈出新是以往的时代无法比拟和突破的。

篇9：浅谈电影中的音乐论文

浅谈电影中的音乐论文

电影音乐较纯音乐而言，既有共性又有着其独特的个性。既要有独立性又要与电影的画面相统一。除了最基本的节奏、速度、旋律外，还要迎合电影中不同的故事内容、不同的风格、不同的环境，一部优秀的电影如果没有了音乐，就如同一桌“满汉全席”没有放盐，看着华丽无比，其实乏味得难以下咽。电影离不开音乐的的烘托，完美的电影音乐总是与电影的情节画面配合得天衣无缝，它润物细无声地滋润着电影，把电影的内涵完全释放出来，含蓄或者强烈地抒发着电影的情感。

电影中的音乐风格就确定了整部电影的基调，他可以把电影中的时间、空间等因素巧妙地刻画出来，深化观众的印象，加强电影的感染力与视觉效果，增强背景的渲染气氛。这种背景包括环境、时代、地域，民族等因素。电影音乐有的时候还能为某一位电影人物代言，而且这样的表现是深入人心的。比如在宫崎骏的电影《千与千寻》中，当夜幕降临诸神出场登船上岸时，演奏的是《诸神》一曲，该曲调极富日本民族的特点。无论是伴奏乐器，还是音乐的曲式，都是“日本味道”。音乐一出现就渲染了诸神出现时的神秘气氛，同时也代表着日本的民族元素。再比如陈凯歌的电影《霸王别姬》中，一声“磨剪子，抢菜刀”的吆喝，顿时让观众“闻”到了熟悉的老北京胡同的味道。

音乐是一门付诸于听的艺术。音乐也是抽象的，它也最能刻画人物的心理。在电影中，用音乐刻画人物的心理也是屡见不鲜的了。观众可以通过音乐的刻画更加深刻体会电影中人物的心理变化。

最容易体会的两种心理莫过于悲伤与高兴。在电影中，白事儿与喜事儿的音乐截然相反，当电影中出现喜事时，音乐活泼欢快，同时也能深刻体会到电影人物内心的欢乐与开心。当电影中奏起悲伤的音乐时，观众也能对人物的情感变化感同身受。在电影《萤火虫之墓》中，当节子死去时，音乐缓缓响起，观众同清太的内心感同身受，对他失去妹妹的悲惨遭遇深感同情。

电影音乐还可以起到深化主题的作用。电影《上甘岭》的主题曲《我的祖国》早已经深入人心。这部电影取材于著名的上甘岭战役。电影讲述志愿军连长张忠发率领志愿军战士，为抗击侵略者坚守阵地，与敌人浴血奋战，最终取得胜利。体现的是这群英雄对祖国的'热爱，为了保卫祖国甘愿抛头颅洒热血。电影围绕这个主题进行演绎，主题曲《我的祖国》更是深化了主题，加深了观众的印象。电影《草原英雄叫姐妹》中，音乐始终贯穿其中，辽阔的草原，疯狂的暴风雪，英勇的小姐妹? .音乐始终与影片相融合，紧扣电影主题，这部电影一直深深地留在观众的记忆中。

对电影音乐的欣赏，要同音乐与电影、剧情与画面相结合，更要提升自己的欣赏水平。音乐诠释画面、丰富剧情的同时也起到以韵补情的作用。对电影音乐的品评与判断要注意自身的知识修养，既要有电影知识，同时又要有对音乐知识的掌握，要有对电影的审美观，与电影的画面、语言、镜头韵律、形象、音乐情感相结合，同时要对音乐有一定的理解、感悟、想象与体验等。此外，还要对音乐创作者的生平、风格等有所了解，这样才会更加深刻体会音乐创作者在音乐中的情感表达。当然，一定的音乐理论知识的积累也是必要的。比如音乐的语言，以及音乐的调式、调性、节拍等。这些都能帮助我们对音乐有更深入的了解，从而对电影有更加透彻的理解，及时把握音乐的走向、风格。了解对各民族，各地区的音乐语汇就能更加直接理解电影所要表达的情感，感受电影的灵魂。

总之，不能只从某个方面对电影音乐进行赏析，要全面了解电影的方方面面才能更加全面、更加透彻地欣赏电影音乐的奇妙之处。

篇10：音乐教学中民族音乐文化的继承与发展的论文

摘要：笔者在下文中探讨了高校音乐教学中民族音乐文化继承与发展的困境，并阐述民族音乐的独到韵味以及教学价值，从民族音乐的规整、教科书的编纂以及推介、音乐课的师资力量构建、教学形式的推陈出新等层面，阐述音乐教学中民族音乐文化的继承以及发展的策略。

关键词：高校音乐；民族音乐；继承；发扬；探讨

民族音乐是民族文化的有机构成元素，也是音乐艺术发展史上的瑰宝。全球的不同国度的音乐文化，无不在本国与他国的交互融合中实现民族文化的传承以及发展。我国拥有56个民族，民族音乐能够映射民族文化鲜明特征，并且其在民族文化中所起到的传承作用也极为明显；其就像是在古老的中华沃土上诞生的艺术奇迹。悠远的中华文化、璀璨夺目的民族音乐文化以及多元化的民族音乐形式，不仅让我国公民陶醉，更让世界为之瞩目。然而由于各方因素，其中的问题亦不少。

一高校音乐教学中民族音乐教育目前的困局以及发展情况

我国民族音乐是非遗项目，因其独到的感染力在全球民族文化中的位置节节攀升。“民族音乐的汪洋”、“歌曲与舞蹈之乡”、“音乐文化的奇迹”等等饱含溢美之词的称呼是对中华民族音乐的高度精粹。但是很长一段时间内，高校音乐教学不管是在课程设立抑或教学形式方面，大部分都借鉴西方音乐教学的模式以及形式，在基础乐理、视唱练耳、和声、曲式、复调以及配器等理论的传授过程中，剽窃国外音乐理念的情况居多，而忽略了对本国民族音乐的挖掘以及应用。从中国高校音乐教学的情况来讲，大部分学生对国外艺术了如指掌，而对本国民族艺术文化却知之不祥甚至根本没有去了解的想法。在如今的年代，世界经济一体化的脚步加快，这对我国古老文明的冲击是剧烈的；特别是对我国传统的民族音乐文化来说更是如此。一部分人甚至指出：中国未来的音乐之路会与国外音乐发展之路重合，自此刻意贬低中华民族音乐文化，误导我国高校大学音乐教学，这对中国的民族音乐来说并不公平。而阅览中国高校音乐教程的教学提纲，国外乐理所占的比重极大，而中华民族音乐文化在其中却屈指可数，虽然一部分高校在课程布置方面添加了《民族音乐》教程，然而本国音乐以及民族音乐在其中仅仅是一笔带过，对民族音乐以及民族文化的传承和发展来说意义不大。我国高校音乐教学中无法传承和发展音乐文化是一种异象，有逐渐脱离主流的态势，这应引发我国的重视。

二民族音乐文化在我国高校音乐教学中的价值

上佳的音乐作品通常包括热烈的情感诉求，对学生的德育品质的.形成有极大的助益。中国传统的民族音乐文化通常能够显示出巨大的思想价值，高校传授民族音乐的乐理，对学生来说，不但能够增广见闻，也让学生的审美趣味发生转变。民族音乐是中国人最喜闻乐见的音乐形式，其体现了中华民族的风貌与精气神。其在我国漫长的历史变迁中诞生、成长以及成熟，是对社会各方面发展情况的真实记载。高校音乐教学中，把民族音乐文化与高校音乐教学融合，让学生通过对民族音乐的领悟，提升其民族自尊心，让其以本国音乐为荣是当前甚至未来一段时期内我国高校音乐教学的重点。

篇11：音乐教学中民族音乐文化的继承与发展的论文

音乐教育不可能一蹴而就，特别是在体现中国特色的民族文化的传播以及教学中，更应参考高校音乐教学的具体情况，从民族音乐文化的独特历史底蕴方面来升华民族音乐文化的魅力，让学生在喧闹的世界中找到灵魂的归属。

1、高校音乐教学要重视对民族音乐的搜集与规整。民族音乐――特别是少数民族的音乐的搜集与规整，必须充分认知，并透过具象化的策略来进行维护以及传承，发掘并发扬音乐文化遗产。笔者通过走访以及调研了解到：目前能够演唱“川江号子”的艺术家已经屈指可数，外号“陕江号子王”的胡振浩业已达80岁以上的高龄，而可以演唱二百余首川江号子、20类以上的曲牌唱腔的陈邦贵业已年满90岁。此外，对某省某区域的小学生实施调研，可以演唱自身所属民族音乐的学生的比例很小。因此，发掘民族音乐并“抢救”民族音乐文化遗产已经刻不容缓。

2、高校音乐教学要重视对民族音乐教科书的编纂以及推介。教科书承载着高校音乐教学的内容，而编纂与推介民族音乐教科书是高校音乐教学的当务之急。高校应在搜集与规整的前提下，挑选适当的民族音乐材料实施编纂以及改写，并在课程设立与编排方面着眼于民族音乐的挖掘。灿若星河的民族文化、源远流长的民族史实、异彩纷呈的民族音乐艺术呈现方式，均为民族音乐教科书编纂的参考元素。而在民族音乐呈现模式的挑选中，应权衡各民族文化的特征，从思维、民族特征方面凸显民歌、曲艺、唱腔、曲目的独特韵味。高校应综合相异地区民族音乐的继承与发展情况，并重视民族音乐自身的多样性，凸显本国民族文化的独到风格――特别是把高校音乐教学与民族音乐融会贯通，完成地区民族文化的继承来充实高校民族音乐素材。

3、高校音乐应重视对民族音乐课程的构建。课程构建是高校音乐教育的主导方向，应妥善处置国外音乐教育与民族音乐教育的融通。①从国外音乐的引进来实现中外音乐文化的沟通视界的开阔化，在国外音乐中取长补短，让我国音乐能够实现长足的进步。②要从对本民族音乐的发掘中传承我国的丰富的音乐文化内涵，从重塑人类音乐世界的战略高度来传承以及发展本民族音乐文化。而且，我国高校应以风味独特的民族民间乐曲入手，在课程设立方面增加少数民族音乐教程，透过对我国民族音乐的传承，来奠定高校民族音乐在教学中的重要位置。例如：恰当加入乡土音乐内容，创办有着鲜明的区域特征的音乐教程，提升民族音乐文化在高校音乐教育系统中的影响。

4、高校音乐教育应重视对民族乐理知识精通的老师的引入以及培育。对民族音乐的继承和发展来说，一支民族乐理基础扎实的老师团队是不可或缺的；高校必须大力引入我国民族音乐方面的专家来充当大学民族音乐课中的导师。例如：通过聘请我国少数民族传统乐器演奏抑或演绎的音乐界栋梁之才或者可以从民族音乐素材中获得灵感并创编民族歌曲曲目的创作家等等，让师资力量更为充实。此外，应激励老师在校外采风阶段考察民族区域，让其领略民族风情，透过搜集、规整以及研讨来提升民族音乐素质。而透过从民间聘任民间艺术家来校就职，抑或透过开办现场演绎活动以及讨论会，从而让音乐老师从内心深处认同民族音乐文化，让老师与学生在民族音乐文化的熏陶中能够对其进行正确定位，这其实就是对民族音乐文化的继承以及发展。

5、创造性地开发民族音乐教育形式，规整音乐教学资源。推动高校音乐教育革命，通常需要老师在教学形式上进行创新，并调整教学思维，接受新鲜的教学观念――尤其是在民族音乐的教学过程中，高校不但要在常规模式下讲授民族音乐，还应打造民族音乐文化的浓郁气氛，挑选与学生生活息息相关的民族音乐教学形式。例如：创办民族音乐社团，在大学文化的建设中宣扬民族音乐的关键性，让学生以本民族的民族音乐文化为荣；再例如：引入民族歌曲（如新疆舞曲、苗族歌曲等等），让学生领略新疆舞曲的柔媚，苗族歌曲的婉转动听。透过对相异民族歌舞的教学，拉近各民族学生间的距离，推介与发展民族音乐文化。

6、高校音乐教学应重视对民族音乐文化活动的创办。民族音乐文化的继承与发展要有探寻精神以及创新思维――尤其是在少数民族音乐的继承与发展方面。应从地区特征、文化内涵、活动模式以及宣扬媒介上实施全方位解析，探寻出一条与高校音乐教学特征吻合的民族音乐活动创办之路。例如：举行民族音乐实践采风活动，融合地区民族特征，在民族音乐采风阶段，不光要搜集民族音乐材料并实施规整；还要透过组织民族音乐汇演，让优美动听或慷慨激昂的民族民间歌曲传遍神州大地。

7、构建民族音乐教育的优良社会环境。气氛上佳的民族音乐教育环境对调动学生的积极性来说极为关键。高校的民族音乐教学，要引发社会各阶级的关注。在学校中应演播多元化的民族音乐歌曲；在电视节目、播音节目、互联网视频中体现民族文化元素，构成继承与发展民族文化的大环境，体现民族音乐文化的内涵。老师在这方面应让学生多看、多听、多学，通过学生喜闻乐见的形式――比如快板书、讲坛等让学生领略少数民族文化的历史（比如西藏的歌唱家央金兰泽的《爱琴海》，歌颂了神山圣水，于华丽处见真情，也让听者领略了西藏的风情）以及韵味。而学生在网络资源发达的当今社会，能够随处听到民族歌曲，就是为民族音乐文化的继承与发展提供跳板。

四结语

综上，民族音乐在高校音乐教育中的融合以及推介是递进的，高校在归纳以及参考的前提下，应重视创新民族音乐教育的模式。通过多元化、异彩纷呈的民族音乐文化活动并凸显民族音乐自身的感染力，展示各民族的优秀品质，并融入民族文化活动，推动民族音乐文化的继承以及发展，让我国民族音乐为世界所喜爱。

参考文献:

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篇12：浅谈英语教学中本土文化发展论文

浅谈英语教学中本土文化发展论文

一、英语教学中本土文化的渗透

1、培养学生发散性思维，促进英语翻译能力的提高。仍以上文举例为例，如果不具备发散性思维、不具备本土文化的掌握，翻译人员就不能很好的理解“笨鸡”含义，进而影响了正确的翻译；另外，不同国家对“笨鸡”的诠释也存在差异，需要学生在日常的英语学习与阅读中不断了解各个国家的人文环境与文化，以此保障翻译的准确性。对于发散性思维的培养，英语教师应通过多国度文化、人文的介绍，使学生掌握英语翻译的文化基础。在此基础上，通过多义词的使用环境等，提高学生的翻译能力。

2、强化英语教学活动中本土文化词汇的教学。针对现代英语翻译活动中对本土景观、产品介绍与翻译的需求，在英语教学活动中还应加强对我国本土文化相关词汇的教学。针对我国特有物产、地理等词汇进行强化教学，以此提高学生对我国文化翻译的能力，为提高学生的英语运用能力奠定基础。

3、加强英语国家本土文化的渗透，降低语用失误的发生。在我国对外英语及旅游英语翻译中，由于对英语实用国家本土文化不了解所造成的语用失误时有发生。这类失误的存在不仅影响了交流双方的心情及情感，严重时还将影响经济活动的进一步开展。因此，在英语教学活动中应加强对英语国家本土文化的介绍与教学。针对英语语用过程中的内容，在日常教学活动中加强文化的渗透。通过不同词汇、短语在特定国家及地域中含义差异介绍，使学生能够在实际应用过程中根据对话对象有选择性的选用词汇的使用，降低语用失误的发生。

4、关于英语教学活动中本土文化渗透的方法分析。针对英语教学活动中本土文化渗透的重要性，英语教师应对渗透的方法及教学方式等进行深入的分析与探讨。根据教学课文内容，选择相应的背景文化视频片段制成多媒体课件，并根据课堂教学进度进行播放。在播放后，教师还应对其进行详细的讲解，以此使学生了解课文所涉及内容中的文化差异。另外，英语教师还应收集各地域英语使用国家的'文化信息、新闻以及日常会话文字资料。通过整理后将其与教材相关内容进行融合，以此为基础，实现英语使用国家本土文化的渗透。对于我国本土文化英语翻译中常见问题，英语教师也应整理相关资料，并在日常教学活动中点点滴滴的融入到教学中，为提高学生的英语运用能力奠定基础。为了培养学生良好的英语使用习惯，英语教师还应针对性的培养学生阅读能力。通过网络收集世界各地英语使用国家的报纸、新闻以及相关音频文件，以课后阅读作业、课堂阅读理解等方式培养学生英语水平，促进英语教学中本土文化的渗透，实现我国人才英语综合运用能力的培养。在学生掌握一定英语基础及中外文化差异后，教师还可以建立模拟场景进行对话模拟。针对不同地域英语使用特点，设置特定场所及对话内容。由学生自由发挥进行对话，再有其他学生及教师进行点评，以此加深学生的记忆与理解、增强学生的运用能力。

二、鼓励学生观看原文影视作品，提高学生的英语运用能力

在英语教学中，英语教师还应针对本土文化渗透教学的需求，鼓励学生观看原文影视作品。通过原文影视作品中不同人物的对话场景、对话内容以及不同地域下的使用习惯等，使学生了解英文使用的注意事项及禁忌，避免实际应用过程中语用失误的发生。在影视作品观看中，教师还应引导学生的观看方法与重点，将对话方式、用词特点等作为重点，实现学生英语综合运用能力的培养。

三、结论

在我国现代社会经济活动中，高等人才不仅要具有较高的专业知识，同时还需要具有一定的英语运用能力，以此满足现代国际化经贸活动需求。针对现代人才英语培养需求，英语教师应在英语基础教学上加强本土文化的渗透。在教学活动中不仅要对我国本土文化进行渗透，同时还应对世界各国中英语使用国家的语用习惯等进行渗透，避免学生英语使用过程中语用失误带来的问题，提高我国人才综合素质及英语运用能力。